Palmarès

Alexandre Rockwell

SWEET THING
USA 2020

Jury Statement

"Bildrausch" can be translated in English as "rush of images," and the winner of this year's Cutting Edge competition positively sparkles with sequences whose euphoric energy indeed provide sensual and emotional "rush." The crucial filmmaking crafts of photography and editing, combined with a superb ensemble of performers, are deployed in the service of genuine humanism and empathy.  We note the contributions of editor Alan Wu and cinematographer Lasse Ulvedal Tolbøll, the latter deploying hand-held camerawork that isn't so much "free" as unleashed -- the resulting black-and-white images judiciously splashed with interludes of vibrant colour.  For a brisk 91 minutes it's as if we share the ears and eyes of the main characters, across the rollercoaster contours of a consistently surprising and original narrative. It is a story focussed very intently on contemporary youth, told against a finely-observed socio-economic backdrop that is piercingly particular but also universal. The skill of the writer-director and his collaborators places this work within the fine tradition of cinema that addresses political realities through the prism of individual experience: it's a film that, just like Ms Billie Holiday, touchingly "sings the blues."

Norika Sefa

NË KËRKIM TË VENERËS (LOOKING FOR VENERA)
Kosovo 2021

Jury Statement

In the year of his death, 2014, Peter Liechti said in an interview: "Everybody has parents. Everybody has some problems with parents, which have often to do with conflicts about values, changing values." This sentiment is amply illustrated by this year's winner of the prize which bears Liechti's name -- an award designed to encourage audacity, risk-taking and the forging of an individual cinematic path. This film plunges into and traps us inside (along with its protagonist) a society still emerging from the ravages of war and de-industrialisation, where young people struggle against the suppressive, suffocating constraints of traditionalism and patriarchy. The personal and political subtly but powerfully intertwine in this environment of tactile physicality -- sometimes sensual, sometimes violent. Likewise the intimacy of the family unit -- sometimes comforting, sometimes constricting -- is evoked with the arresting immediacy of a truly lived experience.

Angela Schanelec

ICH WAR ZUHAUSE, ABER
GERMANY, SERBIA 2019

 

Jury Statement

We want to honor a waltz of unhappiness and beauty, shaped by enchanting ellipses, with a formal rigour that opens emotional yet also humorous engagement. We are very happy to give the Bildrausch ring to Ich war zu Hause, aber by Angela Schanalec.

Aya Koretzky

A VOLTA AO MUNDO QUANDO TINHAS 30 ANOS
PORTUGAL 2018

Jury Statement

We are very happy as a jury, that Bildrausch Film fest has decided to create a new prize in honour of the late great Swiss filmmaker Peter Liechti. A prize for a work that stand out for its narrative and visual courage. We would like to give the prize to a young filmmaker working with the poetics of time and generational memory, pulling up the handbreak of sentimentality to drift around a corner into relevance as Ramell over-explained... We would like to give the inaugural Peter Liechti Award to A volta ao mundo quando tinhas 30 anos by Aya Koretzky.

 

Lucrecia Martel

ZAMA
ARG, SP, NE, FR 2017

 

ex aequo with

Lav Diaz

SEASON OF THE DEVIL
PHILIPPINES 2018

Jury Statement

Our jury of three has unanimously decided to split the Bildrausch prize between two films that equally and magnificently defend and advance cinema and its possibilities, and hence life itself. Although aesthetically quite distinct from one another, each is an utterly unique creation of cinematic genius. These two films confront the histories of their countries that have forsaken and scorned their own. These are the latest films within an astonishing body of work by two tireless masters. We love the image of these two film-makers, working across the globe from another, wearing their Bildrausch kinship rings. Our jury awards the Bildrausch prize to Lucrecia Martel’s Zama and Lav Diaz’ Season of the Devil.

 

Paul Schrader

Jury Statement

This year, Bildrausch will present the Honorary Award for Visionary Cinema for the first time. Paul Schrader’s accomplishments as a director, screenwriter and critic have been ground-breaking, and his unconditional efforts as an advocate of a sophisticated film culture are unprecedented. Schrader shook up and renewed the American cinema landscape time and again, both as one of the pioneers of New Hollywood and in subsequent years. The first Bildrausch Honorary Award for Visionary Cinema is given to Paul Schrader as a sign of the festival’s esteem, respect and gratitude for his everlasting challenge of the cinematic arts.

 

Laudatory speech by Dominik Graf

Teresa Villaverde

COLO
Portugal, Frankreich 2015

Jury Statment

The film, which the Jury has chosen to receive the price of the international competition of Bildrausch Filmfest Basel 2017, is a film that shows a deep understanding of humanity. It depicts the randomness of life, the realities of human beings and the unpredictability of existence. The filmmaker has a profound grip on weaving the characters’ lives, the trajectory of their narratives and the fragility of their conditions. It is almost unbearable to watch their struggles. The way the frames and the light are composed contextualizes the whole experience and tells us about the filmmaker’s great wisdom. Without undermining the impressive films in competition, we, the Jury,  award the Bildrausch Ring of Film Art unanimously to Colo by Teresa Villaverde.

Apichatpong Weerasethakul
CEMETERY OF SPLENDOUR
Th, UK, F, D, Mal, SK, Mex, USA, Nor 2015

 

ex aequo with

Ruth Beckermann
THE DREAMED ONES
Austria 2016

Jury Statement

To imagine soldiers of any kind sleeping until their death, this main idea depicts the creative, poetic and political ambition that Cemetery of Splendours fulfills. For its originality in mixing reality with fantasy and private dreams with collective nightmares. For its evocative capacity to go from a deep and lyrical intimacy to social asphyxia with tragic sweetness. For its impossible mix of the past and the present, of mythical content and of mundane anecdotes in equal terms. For conveying (which is quite uncommon) political and aesthetic rebellion in one single work. For its ambition. For its coherence with the director’s past work. For its subtlety, for the emotion of the struggle of personal memories (this is, personal freedom to remember and personal freedom to forget) against the oppressive "presence" of structural forces, systematic brainwashing and national patriotic hypnotism. For its beauty, for the overwhelmingly vivid work in sound design and cinematography. For being always true to his incorruptible self and for once again being faithful to his own aesthetics. And finally, for its evocative power of the unknown, that only great Art can reveal.

 

One plus one equals three in precious films. One voice, one face, one text result in a third dimension of a relationship, a relationship built on impossible claims and doubts. A woman and a man, two poetic oeuvres that the director masterfully stages. A profound correspondence, sustained by mutual appreciation, and a passion that will never be fulfilled. Based on 20 years of exchanging letters, the film tries to examine the mystery and the magic of this love. The sensitive reciting of these letters and the spectacle of these two faces which outline the landscapes of their longing. The two protagonists represent two levels of the film – they are both the performers of these love letters and the actors trying to translate these spoken words into contemporary reality. These interludes allow the audience enough space to dream of and to open themselves to this painful love. Ruth Beckermann directs The Dreamed Ones with generous sensuality, and she avoids letting a solemn approach blur her vision. The film tells the story of a dance of words between Ingeborg Bachmann and Paul Celan in a post-war Europe that is still ravaged by Nazi ideology and the Holocaust. But the film is also a cinematic gesture that dignifies these two lovers and makes them relevant in the here and now. The film captivates us by its sober form that renders it all the more impressive and which touches us profoundly. The poetry of the unspeakable and the ineffable is also the enigma of the kind of cinematic art that Ruth Beckermann shares with us.

Guy Maddin
THE FORBIDDEN ROOM
Kanada 2015

 

ex aequo with

Shinya Tsukamoto
FIRES ON THE PLAIN (NOBI)
Japan 2014

Jurybegründung

Wir, die Jury, möchten den Organisatoren von Bildrausch – Filmfest Basel unsere Wertschätzung aussprechen für ihr entschlossenes Augenmerk auf radikales Filmschaffen. Wir haben uns entschieden, den Preis an zwei Filme zu vergeben, die in unseren Augen diese intensive und kompromisslose Haltung verkörpern. Beide Filme nehmen uns mit auf eine Reise zu den verborgenen Seiten der menschlichen Existenz. Der eine tut dies durch unmittelbare Körperlichkeit und Gewalt, während der andere das Unterbewusstsein und Begehren erkundet. Beide Filme wurzeln in einem schon lange anhaltenden filmischen Diskurs, den sie auf einzigartige, anarchische und luzide Weise neu erfinden und formulieren.

Es ist uns eine grosse Freude Fires on the Plain (Nobi) von Shinya Tsukamoto und The Forbidden Room von Guy Maddin auszuzeichnen.

Alejandro Jodorowsky

LA DANZA DE LA REALIDAD
Chile, Frankreich 2013

Jurybegründung

Der Bildrausch 2014 Preis geht an La Danza de la Realidad (engl. The Dance of Reality) von Alejandro Jodorowsky für das Verschieben der Grenzen des Kinos und dafür, auf tief bewegende und komplexe Weise sein eigenes Universum zu schaffen. Alejandro Jodorowsky beleuchtet auf meisterhafte Art, was es heisst, ein Mensch zu sein.

 

Emir Baigazin

HARMONY LESSIONS
Kasachstan, Deutschland 2013

 

ex aequo with

Nanouk Leopold

IT'S ALL SO QUIET
Niederlande, Deutschland 2013

Jurybegründung

Mit seinem ausgeprägten Sinn für die filmische Sprache und seiner Entschiedenheit und Klarheit im Stil, sowie durch die überzeugende Darstellungskraft und Präsenz der Darsteller führt uns Emir Baigazins Film Harmony Lessons im Angesicht archaischer Konflikte im Kampf ums Überleben, jenseits eindimensionalen Moralisierens, mutig in das dunkle Herz des Menschen.

 

Courageous, minimalistic, beyond storytelling, plot and dialogue, Nanouk Leopold takes us back forward to the essence of film art. With an amazing awareness for the emotional power of details, she successfully expresses the universal human phenomena of fear, lonelyness, death and desire for love.

 

 

Brent Green

GRAVITY WAS EVERYWHRE BACK THEN
USA 2011

Jurybegründung

«Mehr als hundert Jahre nach seinem Entstehen kämpft das Kino noch immer um seine Anerkennung als Kunstform», steht im Einführungstext des kleinen Katalogs zur ersten Ausgabe von Bildrausch. Bildrausch sei deshalb als Fest konzipiert, das den gezeigten Filmen einen festlichen Rahmen bieten möchte, der dem Publikum signalisiert, dass es sich – wie bei einem Museums- oder Theaterbesuch – auf etwas Besonderes, Einmaliges einstellen darf ...

 

In der Tat – nachdem ich mir alle 15 Filme des internationalen Wettbewerbs angeschaut hatte, fühlte mich nicht nur persönlich, sondern auch in meiner Arbeit als Filmemacher bereichert und ermutigt zu neuen Versuchen.

 

Unbesehen von der Tatsache, dass sich das Multiplex-Konzept heutiger Kinokultur immer weiter entfernt vom oben geschilderten Kunst-Anspruch, durfte ich bei diesem Querschnitt durch das aktuelle internationale Filmschaffen eine ungebrochene Lust an originellen filmischen Erzählformen und eine grossartige Vielfalt an formal überzeugenden und inhaltlich relevanten Ausdrucksmitteln feststellen.

 

Obwohl ich bei einer Auswahl von 15 Filmen mindestens 6 Filme gesehen habe, die mich beeindruckt haben (eine überdurchschnittliche Festivalausbeute!), ist mir die Wahl des Favoriten nicht schwergefallen, und da ich das einzige «Mitglied» dieser Jury bin, hat dieser Film nun auch den Wettbewerb gewonnen: Gravity Was Everywhere Back Then von Brent Green.

 

Green’s Film hat mir in den ersten Minuten erst einmal einiges abgefordert an Bereitschaft, auf seine äusserst eigenwillige, seltsam flackernde und stotternde Sprache einzusteigen – um mich danach umso nachhaltiger in seinen Bann zu ziehen und schlussendlich mit einer Geschichte von seltener Eindringlichkeit zu beschenken. Was am Anfang als leicht gewöhnungsbedürftige, etwas manierierte Kunst-Attitüde erscheint, erweist sich schon bald einmal als absolut zwingende, perfekt die Welt der Protagonisten wiedergebende Ausdrucksform, nicht nur im virtuosen Umgang mit fast allen Möglichkeiten heutiger Filmtechnik, sondern vor allem im tiefen, spürbar persönlichen Nachvollziehen des geschilderten Schicksals. Gravity Was Everywhere Back Then ist die organische Verbindung von Kunst und Erzählkino – und damit auch die perfekte Einlösung des Bildrausch-Versprechens ...

 

Trotz  leidenschaftlicher Empathie und einer faszinierenden, gleichsam fluktuierenden Identifizierung mit dem Schicksal seines ehemaligen Nachbars Leonardt Wood erzählt Brent Green die tragische Liebesgeschichte zwischen Leonardt und Mary ohne jede Larmoyanz. Leonardt ist ein Bastler und Tüftler, ein Instrumenten- und Häuserbauer, und Mary hat sich auf Vogelhäuschen und den Handel mit Vogeleiern spezialisiert. Ihre erste Begegnung findet in Form eines Auto-Unfalls statt, als physisches Zusammenprallen – ein starkes Bild für die Schicksalshaftigkeit und Heftigkeit ihrer Gefühle, aber auch ihrer linkischen Art, aufeinander zuzugehen. Nach und nach werden wir eingeführt in den zauberhaften Kosmos dieser zwei Verlorenen – in eine Geschichte voller Zärtlichkeit und abgründiger Traurigkeit, wunderschön erzählt. Auch eine wahre Geschichte, die mich zuweilen an Armand Schulthess aus dem Film von Hans-Ulrich Schlumpf erinnert hat, vor allem aber an Becketts Theaterstücke mit ihren clownesken Gestalten, in einer gottlosen Welt sich selbst ausgeliefert,  und mit grotesken Ritualen und sinnlosem Aktivismus gegen das Nichts ankämpfend.

 

Ich gratuliere Brent Green und seinen MitarbeiterInnen zu diesem Werk, zu ihren Bildfindungen voller Intimität und Poesie, zum feinen Sprechtext, dem stimmigen, selbst komponierten und selbst gespielten Soundtrack ... Vor allem aber gratuliere und danke ich ihm für sein in dieser Art noch nie gesehenes, wunderbar unsentimentales und dadurch umso berührenderes Manifest für die Liebe!

 

Zum Schluss möchte ich meine Carte Blanche hier auch noch nutzen, um eine sogenannte «lobende Erwähnung» anzufügen: Diese geht heuer an das Stadtkino Basel respektive dessen Direktorin Nicole Reinhard und Beat Schneider vom Xenix Zürich, die sich in der übersättigten Festival-Landschaft Schweiz mit ihrem Bildrausch-Festival weit auf die Äste hinausgewagt haben. Ich gratuliere ihnen zu diesem exquisiten kleinen Festival, dem ich für die Zukunft eine entsprechende Aufmerksamkeit, ein grosses Echo und viel Erfolg wünsche. Zudem möchte ich mich an dieser Stelle bei ihnen bedanken für ihr langjähriges Engagement für eine lebendige, offene und mutige Filmkultur in diesem Land!

 

Peter Liechti